OPERA EN EL CLASICISMO
1.INTRODUCCIÓN
El Clasicismo, en la historia de la música, es el período que tuvo sus antecedentes en los primeros años del siglo XVIII en Italia y que se extiende hasta comienzos del siglo XIX. En general la época Clásica sucede a la Barroca y precede a la época Romántica. Clásico significa, en general, lo bello, lleno de perfección y armonía, además de sencillo y comprensible.
El estilo clásico se desarrolla entre 1750 y 1800-15 aproximadamente, surgiendo como consecuencia de las innovaciones introducidas en los distintos estilos musicales preclásicos (1720-1770) : el Rococó (en el que el ornamento adquiere una importancia capital no sólo en la música; sino en la pintura, arquitectura…), el estilo Galant ( estilo refinado, elegante, natura, amable y de buen gusto) , el Empfindsamer ( estilo que se caracteriza por la melancolía refinada y apasionada en movimientos lentos y recitativos), así como por las aportaciones de la instrumentación y de la forma de las escuelas de Viena, Mannheim y Berlín (desarrollarán la música orquestal), siendo su último empuje el movimientos llamado Sturm und drang (“tormenta y tensión”), música de intensa emoción, arranques apasionados y violentos).
Pero no podemos olvidar la gran influencia por otra parte del ambiente político, intelectual y social de éste último cuarto del siglo XVIII.
En política la era de Haydn y Mozart fue una época de levantamientos, las ideas revolucionarias penetraron en la vida intelectual de fines del siglo SVIII.
En el plano intelectual, la Ilustración hace su aparición. La creencia de que el hombre nace libre, afirmada por Rousseau, Voltaire y otros, fue recibida con avidez en muchos sectores. (Vuelve a renacer el interés por la civilización griega y romana). El hombre se siente dueño de la verdad. Un hecho trascendental en la época será la publicación de la Enciclopedia de Diderot y D’alembert, que en 33 tomos pretende incluir por orden alfabético todo el conocimiento que se tenía en el siglo XVIII. El primer tomo aparece en 1751. No solo sería una obra científica sino que expone también una ideología antiabsolutista y anticristiana. Tuvo gran influencia en los hombres de su tiempo y alcanzó una amplia difusión, por lo que orientó a la población hacia el liberalismo político y la duda religiosa.
Se impone como forma de gobierno El Despotismo Ilustrado, variante del Absolutismo donde los monarcas reinan bajo el lema “todo para el pueblo pero sin el pueblo”. Sin embargo, los ideales ilustrados en contra del Antiguo régimen y las tremendas desigualdades sociales entre las clases bajas y las privilegiadas en el continente europeo dieron lugar a la Revolución Francesa en 1789, después de la cual Iglesia y Nobleza pierden muchos de sus privilegios y la burguesía se alza como la gran triunfadora. Esta burguesía rica y culta tenía a gran honor promover las cualidades intelectuales, el espíritu crítico, la libertad de pensamiento y la tolerancia religiosa. La música fue para ella un signo de distinción. Esta burguesía practica un mecenazgo activo e inteligente, sabiendo que se ilustrará a sí misma mediante la gloria de los artistas a quienes protege.
También se introducen cambios sociales en la condición del músico, el ciudadano de buena posición se convierte en un mecenas, que encargaría a los compositores que escribieran obras y contratarían ejecutantes para que tocaran o cantaran ante él. Esto proporcionaba al músico un modo de vida seguro aunque modesto. En un sentido fue el público el que se constituyó en el sostenedor más importante de la música por medio de la introducción del concierto público con admisión pagada. Esto trajo consecuencias muy importantes para el músico profesional: el concierto público significó que las ejecuciones llegaban ahora a un auditorio mucho más amplio de lo que jamás había sucedido.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA CLÁSICA
La música clásica esta llena de SERENIDAD, EQUILIBRIO, PROPORCIÓN, SENCILLEZ, disciplina y artesanía formales, y una expresión universal y objetiva.
• La melodía es muy importante: natural y equilibrada, construida con frases simétricas y líneas limpias de adornos. Son frases cortas, regulares y cuadradas (número 8).
• El ritmo es sencillo y regulador (cuadratura rítmica), se guarda un ritmo regular en un mismo movimiento. En el acompañamiento de bajo es frecuente que los acordes triada se toquen sucesivamente por la mano izquierda en orden: fundamental, la más aguda, central y la más aguda. Se trata del llamado Bajo Alberti.
• Las texturas son más transparentes y ligeras que en el barroco. Tendencia hacia la homofonía por encima del contrapunto. Predominio de las tonalidades mayores sobre las menores.
• La armonía es transparente, menos compleja que en barroco, formada con acordes sencillos (I,IV,V).
• En cuanto a la tímbrica, la música instrumental continúa desarrollándose, siguiendo la tendencia iniciada en el barroco. Las formas instrumentales ganan prestigio.
• La orquesta crece y desaparece el papel del continuo, con lo que se gana en flexibilidad rítmica y tímbrica. La orquesta se vuelve más maleable. El piano termina imponiéndose como instrumento de teclado, y el clavicémbalo desaparece.
• Junto a los recursos dinámicos del barroco (fuerte, piano), se incorpora una novedad: el crescendo y el diminuendo, que producen un gran impacto en la época. (Destacar la escuela de Mannheim)
• Gran variedad de elementos dentro de la misma composición: distintos ritmos, melodías y temas, cambios y relevos tímbricos y de carácter, riqueza dinámica..., todo ello moldeado con flexibilidad y elegancia. Los contrastes pierden la rigidez barroca.
• En la música clásica predomina un carácter ligero, optimista y luminoso.
LA ÓPERA EN EL CLASICISMO
La idea de hacer llegar la cultura a los hombres y mujeres corrientes, es decir, a las clases medias lo mismo que a la nobleza, a quien había pertenecido con exclusividad en el pasado, fue uno de los ideales de la Ilustración: la vida humana debía ser enriquecida por las artes. La ópera podía contribuir a este ideal.
ÓPERA SERIA
La división entre ópera seria y ópera cómica establecida en el Barroco continúa estando presente en la época clásica.
CARACTERÍSTICAS:
- Los argumentos son dramáticos. Se utiliza la temática mitológica y moralizante. Normalmente suele tener final feliz.
- Aparecen dos parejas de amantes y personajes secundarios. Personajes establecidos como el “tirano magnánimo”.
- Ausencia de personajes cómicos. Escenas de celebraciones solemnes. Normalmente siempre hay un acto heroico de renuncia por parte de uno de los personajes.
- Constan de tres actos en sucesión de Arias y Recitativos. Pocos números de conjunto. Poco protagonismo de la orquesta. Sólo en la obertura.
- El centro de la atención serán las Arias da Capo, con forma ABA’. En la parte A’ se muestra el divismo de los cantantes que buscan su lucimiento.
- Sigue habiendo predilección por los cantantes castrati.
- Los principales espectáculos serios eran la ópera italiana y la francesa.
ÓPERA CÓMICA
Este tipo de ópera presenta escenas y personajes familiares en vez de temas heróicos o mitológicos y requieren recursos de ejecución relativamente modestos. Los libretos se escribieron en lengua vernácula, y la música de manera similar, tendía a acentuar el lenguaje musical local.
Su importancia histórica se debe:
- Respondía a la exigencia de naturalidad de la época.
- Fue el principal canal que desembocaría hacía el Nacionalismo musical.
Si la ópera seria predomina entre los años 1720-1780, la ópera cómica, se configura casi de forma paralela a partir del éxito de La serva padrona de Pergolessi de 1733, especialmente con Galuppi, convirtiéndose en el principal género operístico del Clasicismo.
En todos los países representó un enfrentamiento contra la ópera seria, ya que la cómica representa a personajes de la vida diaria y no mitos o héroes, y unos recursos de ejecución relativamente modestos.
Los aspectos representativos del género bufo son:
- El concertante, en el que uno o dos cantantes o instrumentos son tratados como solistas frente al grupo y el Final de conjunto, consiste en finalizar un acto, mediante la aparición gradual en escena de todos los personajes, mientras que la acción prosigue en creciente animación hasta que alcanza su culminación, en la que participan todos los cantantes.
- La temática relacionada con la vida diaria, donde se reflejan situaciones que van desde lo cómico hasta lo sentimental y conmovedor.
- Los personajes son arquetipos escénicos, siempre interpretados con las mismas máscaras y trajes; eran extraídos de la vida diaria: criados, barberos..
- El lenguaje es el cotidiano con expresiones típicos, citas y parodias. Diálogo ágil. Uso de distintos recursos como bostezos o tartamudeos.
- Empleo de diferentes voces masculinas y femeninas en función siempre de una adecuada caracterización del personaje, sobre todo el del “bajo”, ya que cabe citar como uno de los logros de este tipo de ópera, la explotación de las posibilidades del la voz del bajo, el llamado “bajo bufo”. Nunca aparecen castrati.
- Tipo de canto que explota el naturalismo de la voz. Planteamiento lejano al virtuosismo de la ópera seria.
- Las melodías son silábicas, sencillas, con repetición de notas y saltos interválicos pequeños.
- En general los espectáculos de ópera cómico presentaban unos recursos relativamente modestos. Su encanto no radicará en los grandes efectos de escena sino en la interpretación en sí.
La ópera cómica o bufa asumió diversas formas en diferentes países, aunque en todas partes representó una revuelta artística contra la ópera seria italiana:
- Italia: la ópera buffa: el intermezzo. Parte de la costumbre de presentar intermedios cómicos entre los actos de una ópera seria. En un solo acto. A partir de 1750 el intermezzo se convierte en ópera buffa en tres actos.
Es la única de los géneros nacionales cómicos donde toda la obra es cantada. Escrita en italiano, quizá es el tipo más conocido y con mayor influencia en el resto de países. De ahí que muchas veces se hable de ópera seria y ópera bufa, olvidando que la ópera bufa es el género cómico en Italia únicamente.
El refinamiento de los argumentos de ópera bufa se produce fundamentalmente por el libretista Carlo Goldoni que unió de manera magistral las escenas de carácter mas serio junto con otras cómicas. Las obras con estas características llevaron el nombre de Drama Giocoso.
Importantes compositores de ópera bufa son Giovanni Paisiello con El Barbero de Sevilla, Domenico Cimarosa con El matrimonio secreto o Piccinni con La Buona Figliola; Galuppi: El mundo de la luna.
- Francia: denominada Opera comique, con su alternancia de diálogo hablado en lugar del recitativo y números musicales, era muy popular en Francia, habiendo comenzado como una forma más bien baja de entretenimiento popular, heredera de las tonadas sencillas del vaudeville que se remontan al siglo XV.
Tras la segunda representación en 1752 de La serva padrona de Pergolessi en Francia, se desencadenó la llamada: Guerra de los bufones. Por un lado estaban los defensores de la música francesa, más conservadora y recargada, partidarios de Rameau (de tradición Lullysta y versallesca) y por otro, los admiradores de la ópera bufa italiana, entre los que se contaban escritores, Ilustrados, Enciclopedistas, críticos y filósofos como Rousseau.
- Inglaterra: Con su Ballad ópera. Hacia mitad de siglo La Ópera del Vagabundo, seguía estando presente en la moda inglesa pero también hay gran influencia de la ópera italiana. Algunas óperas son adaptadas al inglés como La buona Figliola de Piccinni, pasando los recitativos al habla inglesa.
Las obras llamadas óperas de balada se escribían en inglés y tenían partes habladas, pero no resultan obras internacionalmente trascendentes. Algunos importantes compositores ingleses murieron jóvenes (al igual que ocurrió con Purcell un siglo antes), con lo cual Londres pierde su posición como centro neurálgico del teatro en Europa.
- Alemania: Con el Singspiel. Al igual que la ópera comique, tiene diálogos hablados, pero se diferencia de aquella porque es más realista y se sirve de la tradición popular de tipo local, lo que le da un directo sabor folclórico. El culmen será La Flauta Mágica de Mozart.
- España: El ambiente popular y callejero, la taberna y el salón de café, serán los escenarios adecuados para la representación de unas manifestaciones líricas elementales que terminarán dando lugar al nacimiento de la zarzuela moderna: se trata de géneros menores como la jácara, la tonadilla y, especialmente la tonadilla escénica.
La tonadilla escénica aparece en principio como una pequeña crónica del pensamiento político no oficial del momento, y se convierte en el medio idóneo de expresión de los grupos de oposición política. Encontramos en ella una actitud de crítica social más allá del mero afán de divertir y gustar.
La tonadilla representa la reacción contra lo extranjero y muestra el gusto por lo popular. En principio nace como intermedio teatral, pero después se convierte en una pieza independiente.
Cantada en español y con partes habladas, se cuentan historias populares, graciosas y sencillas donde destaca la gracia vocal e instrumental. A veces se usa un lenguaje que utiliza con picardía las palabras dando lugar a equívocos. Será un género parecido a la zarzuela de la época pero con menor número de personajes, menos instrumentos y mas breves. Autores importantes serán Antonio Literes, José de Nebra, Luis Misón o Antonio Guerrero.
Paralelamente a la reforma de la ópera de Gluck (que a continuación explicamos), en España algunas comedias comienzan a llamarse zarzuelas, distinguiéndose estilística y formalmente tanto de las óperas italianizantes como de la tonadilla escénica. El promotor de este género es el dramaturgo Ramón de la Cruz. Se caracteriza por el abandono de temas mitológicos, históricos o galantes para tomar asuntos de raigambre popular, es desarrollada en el plano musical por Antonio Rodríguez de Hita.
LA REFORMA DE GLUCK
La ópera seria era el espectáculo típico de la nobleza. Pero poco a poco los ilustrados criticarán este tipo de ópera seria en base a los ideales de naturalidad y sencillez. El carácter irreal de la ópera seria hizo que hasta los propios aristócratas se cansasen de la misma y recurrieran a la ópera cómica en numerosas ocasiones, salvo si tenían que festejar algún acontecimiento solemne, en cuyo caso elegían la seria. Además, la admiración hacia los cantantes solistas hizo que éstos fueran el único punto de atención viéndose sometidas las obras a sus caprichos, lo cual abrió el camino del exceso y del abuso.
Un antecedente reformista aparece ya en 1720. Se trata de una la famosa sátira de la ópera publicada de forma anónima por Benedetto Marcello con el título Il teatro alla moda. En ella, Marcello se muestra en contra de los montajes operísticos del momento. Critica las exigencias y los caprichos de los cantantes, totalmente endiosados, a los compositores, directores y al abuso de presupuesto destinado para estas óperas por las casas reales.
Los excesos de la ópera seria conducen a su decadencia y, en consecuencia, a su reforma. Se intenta hacer una ópera más natural, más humana, suprimir los aspectos circenses de los castrados y dar más relieve a los coros. La reforma comenzó con los compositores Nicolo Jommelli y Tomasso Traetta. También es fundamental la reforma de los libretos por el dramaturgo italiano Carlo Goldoni (1707-1793), que escribe tramas de carácter serio, sentimental o patético, reflejados en las obras de Nicolo Piccini o Doménico Cimarosa. Los dos autores que llevaron a cabo la síntesis y en consecuencia, condujeron la ópera por un nuevo camino son Gluck y Mozart. Con ellos se produce el triunfo absoluto del compositor sobre el libretista.
Christoph W. Gluck (1714-1787). Alemán de nacimiento, estrena la mayor parte de su obra en París. Realiza el paso entre el Barroco-Rococó y el Clasicismo. Fueron fundamentales para su reforma sus relaciones con escritores, concretamente con Francesco Algarotti y el poeta Ranieri de Calzabigi, que reforman los libretos en reacción contra, el ya pasado de moda Metastasio.
La ópera Alcestes de Gluck apareció en 1766, pero su famoso Manifiesto no fue conocido hasta 1769. En él afirma que en la ópera todo debe ser funcional y que los detalles musicales deben sacrificarse al movimiento dramático. El deseo de Gluck es crear una ópera europea, como demuestra en el subtítulo de Alcestes, “ópera trágica”. Su importancia radica en que anuncia la gran ópera europea del S.XIX, con un discurso contínuo, dimensión e importancia de la orquesta que ayuda al texto, fuerza dramática de los coros….
Las aportaciones de Gluck son:
• Consta de 3 actos con unidad de acción, que permite la expresión de los sentimientos más fuertes y más naturales.
• La obertura anuncia el drama. Al principio de la ópera aparecen temas que después se retoman por los cantantes.
• Devuelve a la ópera su esencia dramática y elimina el exceso de decoración y mal gusto, con tendencias de cuño clasicista.
• Nuevo empleo del coro, dándole una importante función dramática.
• Usa la orquesta para acompañar todo, incluso los recitativos que antes se hacían con clavicémbalo (sustituye el recitativo seco por un recitativo arioso), y destaca la importancia de las oberturas. Gluck hace avanzar la orquesta, especialmente los instrumentos de viento.
• Aporta a la ópera una expresión de signo clásico, suprimiendo, por ejemplo, el excesivo uso de arias inútiles.
• Reforma el libreto sobre el que se compone la obra, cuidando sus cualidades dramáticas.
• Se descarta todo barroquismo. Se propone una vuelta a la sencillez rechazando la teatralidad y la sobrecarga.
Entre sus obras destacan Orfeo y Eurídice, Alcestes, Ifigenia en Aulide, Ifigenia en Tauride, escritas en París.
LOS TRES GRANDES GENIOS: HAYDN, MOZART Y BEETHOVEN
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756 – 1792)
La Reforma de Gluck tuvo su mejor fruto en uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos: Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Es la gran figura de la ópera del siglo XVIII; su gran virtud consiste en aunar lo mejor de las corrientes operísticas italiana, francesa y alemana, para crear un nuevo estilo.
Características estilísticas en sus óperas:
• Simplificación y economía de medios y personajes.
• Color orquestal: constante adecuación del timbre para acompañar a determinados personajes; se produce un desarrollo de la orquesta paralelo al desarrollo dramático.
• Escritura vocal: hay un equilibrio vocal en todos los papeles, como resultado de la búsqueda de caracterización y pormenorización de cada personaje. Mozart configura casi todo el cuadro de categorías vocales líricas que hoy conocemos. (Mujeres: soprano ligera, dramática, de coloratura, mezzosoprano; Hombres: tenor lírico, buffo, barítono y bajo buffo).
• Facilidad para adaptarse a los diversos estilos, capacidad que sintetizaría en su madurez con la Flauta Mágica.
• Consigue unidad musical como fin para la expresión dramática. Reúne todos los fragmentos musicales que elabora separadamente según la demanda del libreto, para después conseguir un todo homogéneo. Consigue la fusión dramática del aria y el recitativo.
• Final mozartiano: o final de conjunto. (cada personaje se define desde el punto de vista de su carácter)
• El libretista de sus óperas más exitosas fue Lorenzo Da Ponte.
Cultiva diversos estilos operísticos:
- La ópera seria en Idomeneo; La Clemencia de Tito.
- El singspiel alemán con El rapto en el serrallo; Bastian y Bastiana o La flauta mágica.
- La ópera de carácter cómico, en Las bodas de Fígaro; Don Juan o Cosi fan tutte.
La influencia de Mozart es decisiva en la evolución del estilo operístico. Fígaro es el compendio de la ópera cómica italiana con libreto y música vivaces y divertidos; es una ópera bufa que se transforma en una comedia profundamente humana, donde todo se narra a través de la música. Cosi fan tutte es una ópera bufa en la mejor tradición italiana, con una de las músicas más melodiosas y agradables de Mozart. Don Juan, para algunos su mejor ópera, es tratado como héroe romántico; la obra pivota entre los tres personajes centrales: don Juan, doña Elvira y Leporello. En esta obra consigue gran perfección y aúna las diversas corrientes, llevando al culmen el estilo dramático y el tratamiento orquestal. La flauta mágica es la síntesis donde Mozart quería recoger el virtuosismo vocal italiano, el aria solística, el humor popular, lo bufo, incluso el coralismo.
Escribió música sacra durante su estancia en Salzburgo. 20 Misas (Misa de la coronación. Misa en Do menor), 4 Letanías, 2 Visperas, varios Motetes (ave verum), ofertorios, sonatas da Chiesa… Fusionó los distintos tipos de la época.
Destacamos su última obra, el Requiem que quedó inconclusa tras la escritura del número conocido como Lacrimosa. Le fue encargado por un desconocido, tal vez un enviado de un conde. Su alumno Sussmayer terminaría la obra según la partitura de Mozart, retomaría la música del Kyrie para concluirla. Podemos destacar del Requiem el Kyrie o el Tuba mirum donde aparece un trombón acompañando a los solistas.
JOSEPH HAYDN ( 1732 – 1809)
Las carreras y preferencias de Mozart y Haydn fueron totalmente opuestas. El primero nunca llegó a conseguir un puesto importante, lo que le obligó a buscar encargos, hacer propuestas y abordar todos los géneros. Haydn, por el contrario, obtuvo muy pronto (en 1760) un puesto en la corte de los Esterházy y tuvo asegurada una producción regular para los teatros de la corte.
Ello explica la abundante producción operística de Haydn: veinticuatro obras de diferentes géneros entre 1762 y 1790. Por otra parte, el papel de Haydn no se limitaba a la composición, sino que debía dirigir las creaciones y reposiciones de otros autores, haciendo arreglos, reorquestando y volviendo a componer música para algunas obras.
A pesar de esto, a la producción operística de Haydn no se la ha considerado con la importancia que merece, quizás por un doble motivo: su producción instrumental es significativamente más relevante y, seguramente, tanto en su época como hoy día las óperas de Mozart dejan a un lado las de cualquier otro compositor.
- Óperas Buffas: Acide y Galatea, El diablo cojuelo
- Singspiel: Philemon y Baucis
- Ópera Seria: Armida, La Feldeltá premiata.
De su producción de música religiosa: 14 Misas 2 Te deum, 1 Stabat Mater y 3 Oratorios (La Creación , Las Estaciones y Las siete palabras de Cristo). .
La profundidad de su contenido aspira a una religiosidad universal. Haydn, influido por las interpretaciones del Oratorio inglés de Haendel durante sus viajes a Londres quiso combinar la tradición coral inglesa con el lenguaje sinfónico universal del clasicismo desarrollado por él mismo en sus sinfonías, sobre todo en las últimas conocidas como sinfonías de Londres.
Beethoven escribiría Cristo en el monte de los Olivos, intento de equipararse con las obras de Haydn, pero este sería un hecho aislado. Debemos esperar al Romanticismo para ver una producción de Oratorios tan importantes como la escrita por Haydn.
La mayor parte de su producción sacra sería escrita en Hungría para el príncipe
Esterhazy para quien estuvo trabajando tanto tiempo. Durante sus últimos años y sus estancia en Londres escribiría sus seis últimas misas. Combina la tradición inglesa con el lenguaje universal de sus últimas sinfonías. Integra coro, cuarteto solista, etc.
ÓPERA BUFA
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827)
Al igual que ocurrió en el caso de Monteverdi, Beethoven vivió entre dos épocas. Sus composiciones tempranas presentan características clásicas y las posteriores románticas.
A pesar de tener una infancia dura y un padre que utilizaba el don de su hijo en su propio beneficio, Beethoven desarrolló un estilo totalmente personal que ya a finales del siglo XVIII adelantaba muchos rasgos románticos.
Las obras vocales suponen composiciones aisladas dentro del género instrumental, el más trabajado por este músico.
Fidelio fue su única ópera. Estrenada en 1805 por primera vez, fue modificada por Beethoven en varias ocasiones y apareció definitivamente en 1814. Esta ópera proviene de la herencia del singspiel alemán pero tiene ciertas limitaciones, sobre todo en el tratamiento vocal. No escribió mas óperas parece que porque no encontró ningún libreto que le gustase.
Beethoven cuenta con poca producción religiosa. Escribió un oratorio en 1803, Cristo en el monte de los olivos, pero de menor importancia que los oratorios de Haydn. Su Misa Solemnis de 1819-23 pertenece ya al Romanticismo. La Misa solemnis compuesta para la investidura de un Arzobispo intenta plasmar un mensaje de humanidad comparable al de la Novena sinfonía, de ahí sus dimensiones y su gran plantilla instrumental. Toma recursos de la música sacra tradicional católica con el abundante uso de coros y fugas corales combinados con una plantilla más grande lo que le dota de una nueva dimensión. Guarda relación esta obra con la ópera que por aquel entonces iba escribiendo, Fidelio que intentaba igualmente dar un mensaje de armonía y fraternidad.
